Andy Warhol, a tervező, aki a levesdobozt közvetlenül az amerikai nő ruhájára öntötte
Valószínűleg a hatvanas évek legismertebb képviselője volt a popművészetben, és halála óta eltelt idő - csaknem három évtized - nem rontotta hírnevét. Ellenkezőleg. Ezzel a művészet a tömegkultúra felé fordult, és a divatipart a fogyasztási cikkek értelmes módon megszállták egy olyan társadalom számára, amely nagy értéket tulajdonított a vállalat és a fogyasztás számára.
Egyesek azt mondanák róla, hogy tökéletesen ötvözte az álművészetet a giccsel. Az ő szemszögéből nézve a dolgok mások voltak: „A pénzkeresés művészetet jelent. A munka művészetet jelent. És a művészetek közül a legszebb egy nyereséges vállalkozás létrehozása "- érvelt Andy Warhol. Azt is elmondta, hogy szereti a műanyagot, valamint Los Angeleset és Hollywoodot, amelyek tele vannak műanyaggal. "Plasztikus szeretnék lenni" - állította a különc művész.
Ha van kapcsolat a művészi kifejezés, a hírességek kultúrája és a reklám között, akkor Andy Warhol (1928-1987) megtalálta. És kihasználta! A pennsylvaniai Pittsburgban született, és reklámgrafikus, valamint olyan divatlapok illusztrátora volt, mint a "Harper's Bazaar" és a "Vogue", fotós, festő és filmkészítő. A pop art legfontosabb képviselőjeként az USA-ban maradt.
Szlovák származású, 1921-ben Amerikába érkezett emigráns szülőktől, akiknél gyermekként olyan neurológiai megbetegedést diagnosztizáltak, amely élő hipochondriává változtatta, Warhola feladta a név farkában lévő "a" részecskét, amint megérkezett New Yorkba. York, a város, ahol haláláig marad. Művészi fejlődésének alapja, később Warhol bevallotta, hogy - beteg volt és iskolatársai megkerülték - úgy tölthette az idejét, ahogy kívánta: zenét hallgatni, rajzolni vagy plakátokat ragasztani a falakra. Más szóval, szabad ember.
A Carnegie Műszaki Intézet elvégzése után, mint mondtam, a Nagy Almába költözött, a soha nem aludó városba, ahol pénzügyi és művészi sikereket tapasztalhat. Akárcsak egy hollywoodi filmben.
Az elefántcsonttoronyból közvetlenül az utcára eresztette a kultúrát
Warhol állítólag egyedülálló volt. Tele találékonysággal ismerem fel kortársait és a ruházati ipar leszármazottait is, akiket még mindig ötletei és alkotásai inspirálnak. Gyökeresen megváltoztatta ruhadarabját, anyagi és művészi szempontból minden szempontból kamatoztatta - hogy is lehetne másképp! -, a háborún kívüli Amerika fogyasztói és vállalati szelleme, alig várja a dolgokat, és büszke lehet rá.
Valójában a kezdetektől fogva az 1950-es években kialakult popkultúra együtt járt a divatiparral. A pop art rajongói fellázadtak a maroknyi tehetséges, kiváltságos emberek kultúrájának megragadása ellen, és úgy döntöttek, hogy ideje lebontani az akadályokat. Ezért a kultúrát leeresztették az elefántcsont ágyúról közvetlenül az utcára, és a jövedelmező divatüzlet minden művészet legszebbjét határozta meg. A popkultúra akkori népszerűségében érezte a pénzkeresés lehetőségét, és szörnyű jövőképpel látta el a jövőt, a művész kifejezte a társadalom által biztosított összes modern médiaanyagot és technikát. Művészetében nem riadt vissza az elgondolkodtató próbáktól, sőt kereste is őket, ez a szokás tette híressé.
Mit festettek a popművészek? A leggyakoribb dolgok: leveskannák, palackok ketchupot és Coca-Cola, (darab) bankjegyek, elektromos székek, mindazon ötletben, hogy az élettapasztalatokat átfogják, hogy a művészet közelebb kerüljön az amerikaiak új generációjához, akik tapasztalják az előnyöket fogyasztóság a jóléti államban. Richard Hamilton, a pop art egyik úttörője szerint "népszerű, átmeneti, tágas, olcsó, sorozatgyártású, fiatal, erotikus, fényes és jövedelmező".
Egyszerűség és közvetlen üzenet - a siker receptje
Rendkívül tehetséges, nagyon jól megértette, hogy mit akar közönsége, Andy Warhol az üzenet egyszerűségére és közvetlen kifejezésére támaszkodott, amelynek el kell érnie a célját, és nem szabad túlságosan kipróbálni a néző elméjét. Az általa létrehozott ruházatban megragadta a fogyasztói életmód lényegét. A híres papírruha, amelyet Campbell levesdobozaival nyomtattak, abszolút újdonságnak számított akkoriban, ahogy az is szokás volt, hogy rajzait és festményeit ruházatra és lábbelikre helyezte át. Így a fogyasztói társadalom legitimációt nyert a fogyasztók szemében, és elfogadták a művészek és divattervezők vékony világában. Noha eleinte iróniával és bizalmatlansággal tekintenek rá, az eldobható ruhának csak egy évre volt szüksége ahhoz, hogy rászoruljon a piacra, és a gazdag amerikaiak, pontosabban az amerikai nők nem riadtak vissza a kiállítás megnyitóján. annak.
Alapvetően magyarázza Alistair Oneill, a Központi Művészeti Iskola kutatója St. A londoni Martin eldobható ruhákat valójában nem árulták el, de a New York-i magas társadalmi társaságok a művész kiállításainak megnyitójára olyan öltözetben érkeztek, hogy jelezzék, hogy egy nagyon exkluzív, arisztokrata klubhoz tartoznak - a fogyasztói stílus iróniája. népszerű és lényegében demokratikus. Arra a kérdésre, hogy miért választotta a levesdobozt, Warhol így válaszolt: "Bármit meg akartam festeni, és ebben a szerény dobozban találtam meg a lényegét.".
Ez a ruhadarab még mindig befolyásolja a párizsi, londoni, milánói és New York-i nagy divatházak gyűjteményeit. A Chanel és a Prada 2014 nyarán szerepelt a bemutatókon, valójában Andy Warhol alkotásai ihlette grafikai nyomatok bemutatóján, miután Moschino ugyanezt tette egy évvel korábban, 2013-ban.
Az egyik, aki Warholt inspirálta ruhakészítésében, Yves Saint Laurent volt, talán az első tervező, aki a műalkotást ruhatervezéssé változtatta, és a pop-art felfedezte gyűjteményeiben. Nem véletlen, hogy Andy Warhol négy panelből álló selyemfestményben örökítette meg. Warhol művészi alkotásai egymás után olyan hírességek portréit tartalmazzák, mint Marilyn Monroe, Elvis Presley, Marlon Brando és Elizabeth Taylor. A festményekből ezek az inspirációs források nyomtatott vásznakra, egész vagy töredékes portrékra, virágokkal és geometriai rajzokkal együtt továbbadódtak, a hétköznapi szemnek legalább megfelelő módon, a megfelelőséggel. A fekete-fehér nyomtatással együtt a színek is felrobbantak, egyre világosabbá váltak, és a polikromiát a cipők, táskák vagy sálak tervezőinek fősodrása kezdte asszimilálni.
Warhol első festészet és rajz önálló kiállítására 1952-ben került sor a Hugo Galériában, ahol tizenöt rajzot állított ki Truman Capote írásai alapján. Festményei aztán olyan új fényképészeti technikákat építettek be, mint a szitanyomás, a művész kereskedelmi illusztrátorként fejlődött így.
Lőtt egy feminista
Az 1960-as évek közepére Warhol népszerűsége elérte a csúcsot. Saját házát, amely műhelyként is működött - a Gyárat - New York bohém világa népesítette be hollywoodi sztárokkal, homályos politikusokkal vagy sem, művészbarátokkal, követőkkel vagy munkanélküliekkel, mind dohányfelhőkben, marihuána vagy kokain. Warhol úgy érezte, teljesítette az amerikai álmot. Amíg egy nap, amikor Wahol filmjeiben az egyik színésznő - Valerie Solanas, szenvedélyes feminista, de súlyos elmebetegséget is diagnosztizáltak - tüzet nyitott a művészre, közvetlenül a stúdiójában. Solanas nem volt boldog, hogy a művésznek olyan forgatókönyvet adott, amelyet elveszített, és amelyet a nő nem akart elfogadni. Elképzelte, hogy Warhol valójában ellopta a forgatókönyvet, hogy engedélye nélkül használhassa, ezért úgy döntött, hogy igazságot tesz a fegyvernek. Warhol súlyosan megsebesült és kórházba szállították kezelésre. Az orvosok kinyitották a mellkasát, és kezével megmasszírozták a szívét, hogy újraindítsák. Az esemény, amely Warholt életre hívta életre, 1968-ban történt, ezt követően a tervező kiürítette a Gyárat, és csak olyan emberekkel vette körül magát, akikben megbízott.
A művész 600 filmet és 2500 videót készített, amelyek közül 500 Warhol képernyőtesztje. A többi nem kevésbé furcsa és kísérletező. Az 1963-ban készült "Alvás" című film John Giorno költő hat órás alvását mutatja be, míg az "Empire" nyolc órányi felvételt tartalmaz, amelyeket a nap lenyugvása alatt az Empire State Building filmmel forgattak. Más filmekben tízperces csókok vannak, vagy az emberek lassú mozgásban esznek zöldséget.
Warhol művészeti versenyzői nem kevesek, érveiket sem szabad elhanyagolni. Az biztos, hogy a művész visszatükrözte idejét, és az a tény, hogy a halála óta eltelt évtizedek egyáltalán nem csökkentették hírnevét, és hogy munkájának eredménye ma is inspirációs forrás a nagy divatházak számára, és ma bebizonyítja, mennyire aktuális.
Festményei főleg sorozatokat tartalmaznak: koponyák, ágyúk, álcázó ruhák, Mao, Kína nagy kommunista vezetője és az utolsó vacsora. Úgy tűnik, hogy ez utóbbi végzetes volt számára. Milánóban, az Utolsó vacsora kiállítás megnyitóján Warholt a jobb hasában súlyos fájdalommal szállították kórházba. Epehólyag-műtéten esett át, és bár felépült e triviális műtétből, hirtelen meghalt. Temették Pittsburgh-ben, és több ezer gyászoló rajongó, köztük Roy Lichtenstein, Keith Haring művészek, Liza Minnelli színésznő, Yoko Ono tervező, Brigid Berli és mások, tiszteletüket tették a St. Patrick manhattani székesegyházban a koporsó előtt. nyitva, amelyben Warhol napszemüveggel és egy rózsával voltak az ujjai között. Két évvel később, 1989-ben bejelentették a pittsburghi Andy Warhol Múzeum és az Andy Warhol Képzőművészeti Alapítvány megnyitását.