Művészet és divat híres ruhák a festészetben, amelyek befolyásolják a Monden nők stílusát
Ezeknek a nőknek a gazdagságuktól, jellemüktől és politikai/társadalmi attitűdjüktől kezdve minden jelzővé vált, hogy kire támaszkodtak ezeknél a festményeknél. Akár tudták, akár nem, befolyásolták a divatirányzatokat, bírálták a felháborodást, és a divat segítségével bemutatták magukat a körülöttük lévő világnak. Az alábbiakban kilenc festmény híres ruhákkal, a reneszánsztól a modern korig.
Reneszánsz festmények híres ruhákkal
A reneszánsz a kulturális és művészeti újjáéledés, a klasszicizmus forradalmian újjáéledő ideje volt az európai társadalmakban. Ebben az időszakban azonban a divatban is jelentős változások történtek. Vessen egy pillantást arra, hogy a festmények híres ruhái hogyan befolyásolták a divatot a reneszánsz idején.
Jan Van Eyck Arnolfini portréja (1434)
Jan Van Eyck, 1434, Arnolfini portréja, a londoni Nemzeti Galéria révén
Jan Van Eyck Arnolfini esküvői portréja elengedhetetlen elem a portré szövet tanulmányozásában. Van Eyck technikája nem hagy semmit a képzelet számára, mert a szövetfestéshez való hozzáállása reális és háromdimenziós élményt teremt. Gyapjú ruhájának smaragdzöld ékszer tónusai és a hermeneutikával bélelt ujjak a családok státuszát mutatják, mivel csak a gazdag vásárlók engedhették meg maguknak a fenti képen látható szöveteket.
A gyapjú, a selyem, a bársony és a szőr ritkán volt előállítható és drágább, mint a pamut vagy a vászon, és jelképezték, hogy mennyit engedhet meg magának vásárolni. Megmutatja férje vagyonát is, mivel azt mutatja, hogy megengedhette magának, hogy sok méter szövetet vásároljon a ruhája elkészítéséhez. A festéssel kapcsolatos egyik legvitatottabb kérdés az, hogy a képen látható nő (valószínűleg Arnolfini felesége) terhes-e vagy sem. A reneszánsz szoknyák olyan teltek és nehézek voltak, hogy a nők felemelték szoknyájukat, így könnyebb volt mozogni.
Ruhájának hozzáadott érzéki hajtásai a tendenciát mutatják a hajlítottabb középszakaszú nők leírásában is, mivel reményt mutatott arra, hogy házasság alatt gyermekeket fogan. Egy másik példa erre a Lim Transzi testvérek Les Très Riches Heures du Duc de Berry. Mindkét képen a nőstények kerek hassal vannak ábrázolva. A bal oldali kép esküvőt mutat, és összehasonlítható Arnolfini portréjával, mivel mindkét nő az anyaság képét vetíti előre a terhességre számítva. Anélkül, hogy modern lencsével néznénk a képet, felfoghatjuk ezt annak rögzítéseként, amit a nők viseltek, és amit a férfiak számára fontos volt elárulni másoknak.
Barokk és rokokó festmények
A barokk és a rokokó korszak kidolgozott, dekadens és játékos díszítéssel jellemezhető. Ezeket az irányzatokat nemcsak a művészet, hanem a divat is érzékeltette bonyolult díszítéssel és nagyvonalú ruhákkal. Vessen egy pillantást a híres ruhákra, melyeket műalkotások ihlettek.
Elizabeth Clarke Freake (Mrs. John Freake) és Baby Mary (1674)
Ennek a művésznek a részletekre való figyelme és a ruházatra való összpontosítás teszi ezt a festményt a New England-i puritánok fontos életrekordjává. Ezen a képen Elizabethet az 1600-as évek finom szövetei és amerikai kiegészítők díszítik. Fehér csipke gallérja az arisztokrata nők körében található népszerű európai csipkét jelzi. A ruha teteje arany hímzett bársonyszoknya, ujját szalagok díszítik. Gyöngy nyaklánc ékszerek, aranygyűrű és gránát karkötő díszíti. Ez a festmény egyedülálló képet nyújt Erzsébet és családja puritán életéről.
A művész képes szerény körülmények között keverni a gazdagságuk képeit. A festmény világosan megmutatja Erzsébet gazdagságát, amikor a legjobb ruhákat és ékszereket választja. Ez tükrözi férje, John Freake gazdagságát is, hogy megengedhesse magának ezeket a luxusokat, és megrendelhesse ezt a portrét, valamint egy sajátot. A festés egyben azt is jelentené, hogy puritánul hálálkodnak Isten iránt, mert az Ő áldása nélkül nem kaphatnák ezeket a fényűzéseket.
Swing (1767), Jean-Honore Fragonard
Jean-Honore Fragonard, 1767, a londoni The Wallace gyűjteményen keresztül
Jean-Honore Fragonard lendülete a rokokó stílus példája a francia arisztokrata körökben. A festmény magánbiztatás volt, amelyben egy francia udvaronc felkérte Fragonardot, hogy készítse el ezt a festményt magáról és szeretőjéről. Míg a festményt zárt ajtók mögött helyezték el, a francia királyi udvar luxusát, komolytalanságát és titkos jellegét tárja fel.
A pasztell rózsaszín ruha kiemelkedik a buja kert között, és ez a darab fókuszpontja. Fragonard szabad présekkel festi a ruhát, amely utánozza a söprő szoknyákat és a ruha fodros testét. Ingyenes ecsetei egybeesnek témájával ebben az idilli kerti jelenetben, tele elegáns és szeszélyes képekkel. A fűzők, a nyüzsgések és a női ruházati burkolatok minden korlátozása mellett az egyetlen helyen egyetlen női szoknya alsó szegélye sem volt. Fragonard ezt a maga javára használta fel, miközben a nőt tökéletes helyen állt, hogy a barátja megkereshesse a szoknyáját. A magánbizottság lehetővé tette Fragonard számára, hogy kísérletezzen a témájával, és lehetővé tette a nézők számára, hogy felfedezzék, milyen volt a bíróság leggazdagabb embereinek élete.
Festménye a francia divatudvarban kialakult trendeket is mutatja. A rokokó meghaladta a divatot, a művészetet és az építészetet, hogy létrehozzon valamit, ami egyedülálló Franciaországban. A rokokó divat magában foglalta a legfényűzőbb szöveteket, beleértve a pasztell színű selymet, a bársonyokat, a csipkét és a virágmintákat. Túlzott mennyiségű íjat, ékszereket, fodrokat és díszdíszeket is tartalmazott, hogy fejet fordító megjelenést teremtsen. A stílus meghatározta a szegények és a gazdagok közötti különbséget, mivel az arisztokrácia megengedhette magának a finom szövetek és dísztárgyak luxusát. Az ilyen rokokó díszeket viselő nők számára a festmény a forradalom előtti francia királyi udvar szimbóluma.
Híres ruhák a 19. századi festményekben
A XIX. Században művészi átmenet következett be a neoklasicizmusból a korai modernizmusba, átadva helyét a stílusoknak és a gondolkodásmódnak. Ebben a században a divat is megváltozott; olvassa el, hogy a festmények hogyan befolyásolták a híres ruhák és stílusok bevezetését, amelyek különösen korszerűbbek voltak, mint korábban.
Symphony in White No.1: A fehér lány (1862) James McNeill Whistler
Symphony in White No.1: A fehér lány, James McNeill Whistler, 1862, a washingtoni Nemzeti Galéria révén.
A "Művészet a művészet kedvéért" a szimfóniához kapcsolódott a Fehér 1. szám: A fehér lány című filmben, mivel James McNeill Whistler a festészetet spirituális jelentéssel szánta. A kritikusok azonban nem így látták, mert az ábrázolt nő Joanna Hiffernan (akkori szeretője). Ennél is fontosabb, hogy a kabát, amelyet Whistler választott Hiffernan festésére, megkötötte az üzletet, és ez a ruha kiemelkedett a többi festménye közül. Ez a portré akkor felháborító volt, Whistler női tiszta fehér ruhájának ábrázolása miatt. Az 1800-as években egy női ruhában gyakran acél krinolin szoknya is volt, hogy a szoknyája a felszínen maradjon. A nők sok más fehérnemű mellett fűzőt is viseltek szélesebb szoknya készítéséhez.
A fehér színű nő pontosan ellentétes az akkori tiszteletre méltó ruházati színvonallal. A teaköve olyan ruhadarab, amelyet csak a férje (vagy a barátja) láthatna, mivel könnyen eltávolítható. Magán viselt nappali ruha volt, és csak az 1900-as évek elején vált népszerűbbé a mindennapi viselet számára. Whistler számára a múzsának egy szemnek tetsző általános jelenet részévé kellett válnia. Hiffernan-t úgy ábrázolta, ahogy meglátta, és a nézők számára abban a pillanatban a kép egyszerre volt zavaros és kissé illetlen.
X. Madame portréja (1883), John Singer Sargent
X. asszony portréja, John Singer Sargent, 1883-84, a New York-i Metropolitan Museum of Art révén
Bárki, aki X madame előtt áll, meglepődik portréjának termetén és ragyogásán. John Singer Sargent egy nő képét hozta létre, aki bár a maga idejében elfogadhatatlan, az egyik legelismertebb és legelismertebb festmény lett. Mrs. Pierre Gautreau portréja, egy amerikai szépség, aki keveredik a francia magas társadalomban. Olyan botrányt kavart, hogy maga John Singer Sargentnek el kellett hagynia Párizst Londonba.
Míg az övéhez hasonló ruhákat jelmezként vagy partiként viseltek volna, a mindennapi társadalomban nem. Bizonyos részletek teszik ezt a ruhát annyira felháborítóvá. Mellkasa rendkívül a has alsó fele felé irányul. Az éles V-alakú nyakkivágás és a gyöngyös hevederek alig takarják el a vállát, és felfedik, hogy mi tekinthető egy nő intim részének, amely annyira alkalmatlan a nyilvános bemutatásra.
Miután Sargent 1884-ben bemutatta a festményt a párizsi szalonban, haragot váltott ki a kritikusokban és a nézőkben. Vitát váltott ki egy osztályában élő házas nő ilyen provokatív módon a nyilvánosság előtt. A szalon közönsége számára úgy nézett ki, mintha fehérneműt viselt volna, nem pedig igazi ruhát. A festmény káros volt Mme számára. Gautreau néphírneve arcképét egy nyálas személyiség tükrében látta.
Eleinte nem Mme szó szerinti fordításának kellett lennie. Gautreau karaktere. Sargent maga választotta ruháját és testtartását, és a kellékek hasonlítanak az ókori római szobrokra, utalva Dianára, a vadászat és a hold istennőjére. Ez az alkotás mindkét hírnevüket érintené. Sargent végül eltávolította a nevét a portréról, átnevezve Madame X-re.
Híres ruhák a 20. századi festményekben
A huszadik századi művészet az absztrakcióra és a kifejezésmódra összpontosított, jelentős változásokon ment keresztül új stílusokkal és témákkal. Ez a divat és a művészet új formáinak és szintéziseinek feltárásához is vezetett. Itt vannak az innovatív század festményein látható híres ruhák.
Adele Bloch-Bauer I. portréja (1907) Gustave Klimt
Adele Bloch-Bauer aranyruhája azt mutatja, hogy Gustav Klimt egy nőt ábrázol, amelyet a körülötte lévő világ nem fékez. Korának magas társadalmi hölgyek más portréihoz képest ez a portré kiemelkedik a többi közül. Ahelyett, hogy a kertekben pihenő, vagy a kanapékon olvasó felsőbb osztályú nőt festene, Klimt Adele-t világi figurává változtatja. Ruhája örvénylő alak, tele háromszögekkel, szemekkel, téglalapokkal és ikonográfiákkal. Nincsenek jelei egyenes fűzőnek vagy rétegnek a ruházat rétegén. Ehelyett ugyanolyan gátlástalanul példázzák, ahogy arany világában lebeg. A szecesszió témákat tartalmaz a természetről és a mitikus képekről. Utal arra a bohém divatra is, amelyet Klimt viselt és használt más festményeknél.
Klimt gyakran Emilie Flöge divattervező által készített modelleket festett. Nem annyira ismert, mint kortársai vagy elődei a divatvilágban, de hangos lépéseket tett a divat megalkotásában korának nők számára. Néha ez közös erőfeszítés volt, mivel Klimt híres ruháit számos más festményénél használta. Flöge ruhái széles sziluettekkel és széles ujjakkal rendelkeznek, amelyek nem tartalmaztak fűzőt vagy más korlátozó ruházatot. Klimt és Flöge művei egyaránt bohém életmódot folytattak, tisztázatlan határokkal a hagyományos és a nem mindennapi között, ahogy Adele Bloch-Bauer portréja láthatja.
Frida Kahlo A két péntek (1939)
Frida Kahlo „Két péntek”, 1939, a mexikóvárosi Museo de Arte Moderno-ban, a Google Művészetek és Kultúra segítségével
Mexikó színes és kézzel szőtt textiljei Frida Kahlo örökségéhez kapcsolódnak. Örökségének részeként felkarolta ezeket a ruhadarabokat, és számos önarcképen és fényképen látható rajta. Frida Kahlo A két péntek című filmben bemutatott híres ruhái szimbolizálják kapcsolatait európai és mexikói örökségének mindkét oldalával.
A baloldali Frida tükrözi nevelését egy közép-felső osztálybeli családban. Apja eredetileg Németországból származott, gyermekkori otthoni életében nyugati szokások voltak. Ruhájának fehér csipke az európai divat népszerű stílusát szimbolizálja. Ez a nyugatiasított változat ellentétben áll Frida azon vágyával, hogy hagyományos tehuana ruha viselésével átölelje mexikói örökségét. Ezt a ruhát férje, Diego Rivera ösztönözte, különösen az országukban a változásért folytatott küzdelemben. Büszkeségét mutatta be bennszülött és hagyományos mexikói ruházat viselésében.
Kahlo ruházata életének és munkájának fontos szempontja. Miután gyermekként gyermekbénulást kapott, egyik lába rövidebb volt, mint a másik. Színes szoknyája a lábának elrejtésének egyik módja lett, amely megvédte az irányítástól. Szekrényében tehuana ruhák, huipil blúzok, rebozók, virágos fejhallgatók és antik ékszerek voltak. Ezeket a ruhadarabokat fontos figyelembe venni, amikor Kahlo munkásságát nézzük, mivel szemléltetik azt a szeretetet, fájdalmat és szenvedést, amelyet munkájában testesít meg.