Pop vagy klasszikus ének - 3. rész: A különbségek; JP Pop ének Wiesbaden
Az énekesek választhatnak: Pop vagy klasszikus ének? Mi bennük a kozos? Miben különböznek egymástól? Ebben a 3 részes cikksorozatban mindkettőt mikroszkóp alá helyezem, hogy tudd, mi folyik itt.
A harmadik részben figyelembe vesszük a popének és a klasszikus ének közötti különbségek. Annak érdekében, hogy tudd, mire kell figyelni, amikor énekeseket hallgatsz és az énekórákat választod.
A hasonlóságok után ma a popének és a klasszikus éneklés közötti különbségekről van szó.
Az énekes fontossága
A pop és a klasszikus más értelmet ad az énekesnek a zenéhez képest.
A népszerű éneklésben az énekes nagyon fontos, mert tőle függ az értelmezés és ezáltal a siker. A zenét kommunikációra használják - a saját történetét, vagy az énekesnő számára fontos történetet. Az énekes nagyon egyéni lehet. Hangsúlyozza a hitelességet, ami rendkívül fontos a popban. Ezért csak korlátozott mértékben cserélhető fel. Különösen a saját stílusukat kifejlesztő énekesek: Herbert Grönemeyer, Michael Jackson, Serj Tankian a System Of A Down-ból, Lena Meyer-Landrut. A popéneklés tehát művészközpontú.
A klasszikus zenében azonban az énekes közvetítő. Ez szolgálja a zenét és az általa megtestesített szerepet, így a zeneszerzőt is. Szándékai és zenéje elsőbbséget élveznek az énekesnő személyiségével szemben. A zene tehát önmagában a magasabb cél lesz. Az énekes viszont felcserélhető - kivéve az igazán nagyokat (Kaufmann, Netrebko, Callas, Caruso, Domingo, Pavarotti, Caballe stb.). A klasszikus éneklés tehát kompozíció-központú.
Érdekes módon ez bizonyos mértékig a zenei előadókra is vonatkozik, bár a zenei éneklést népszerűnek minősítik.
Éneklő technika
A sorozat második részében egy alapvető énektechnikáról beszéltem. Ezen túl azonban jelentős különbségek vannak a műfajok között.
A popban a vokális technikát használják arra, hogy egy hallot megtöltsenek hallgatókkal. Az énekes egyéni kifejezése lehetővé teszi. A jó éneknek nincs viszonyítási alapja, ezért a hang durva éleket kapott.
A klasszikus zenében a vokális technikával terem hanggal töltődik meg. A klasszikus énekeseket olyan hangideálra képzik ki, amely többek között hangosan kitölti a termet. A hangod rengeteg sajátosságot veszít az edzés során, és kerekebbé válik. Ez egyrészt azt jelenti, hogy klasszikus esztétikában tudnak énekelni. Másrészt ezt nagyon sokáig vagy egy életen át megtehetik.
Ez nagyon általánosnak hangzik, ezért íme néhány részlet.
Regisztráció
A mellkasi és fejhangú éneklés képessége minden énekesnőben közös. A súly csak egy másik dolog - ami nem azt jelenti, hogy az egyik regisztert előnyben részesítik a másikkal szemben, vagy a másikat nem gyakorolják. A pop- és a klasszikus énekeseknek képesnek kell lenniük arra, hogy mindkét regiszterben énekeljenek.
A popéneklésben a hangsúly a mellkas hangján van. A popéneklés történeteket akar mesélni. Mi lehet nyilvánvalóbb, mint az énekléshez használt hangjegyek tényleges használata, amelyet a beszédhez használ. Nem lehet nélkülözni a fejhangot, mert a „pénzjegyek” a magasabb regiszterekben vannak, és különösen népszerűek a közönség körében.
A kezelőfelületen bármit megtehetsz a regiszterekkel: szétválaszthatod, összekeverheted kissé, hagyd, hogy zökkenőmentesen egyesüljenek.
A klasszikus éneklésben a hangsúly a fejhangon van. A hang nagyon gazdag felhangokban, ami azt jelenti, hogy érvényesülhet egy teljes szimfonikus zenekarral szemben. A regisztereknek zökkenőmentesen össze kell egyesülniük, mert az énekesek minden hangszín egységes hangzására törekszenek.
Gége
A popban ott maradhat, ahol van, amikor beszél: semleges vagy kissé emelkedett helyzetben. A klasszikus zenében általában kissé alacsonyról alacsonyra állítják. Ez növeli a rezonancia teret és hozzájárul a terjedelmesebb hangzáshoz.
hatótávolság
Egy popénekesnek nem feltétlenül kell dolgoznia a hatótávolságán. Ha a céljaival elérheti azt, amije van, akkor bejelöli a témát.
A magas és az alacsony szinteken végzett munka különösen fontos, ha más előadók dalait szeretné énekelni. Whitney Houston, Mariah Carey, Christina Aguilera, Celine Dion és Michael Jackson olyan sikeresek (voltak), mert kibővítették hangszerüket.
Egy klasszikus énekesnek dolgoznia kell a tartományon. Azt a zenét szolgálja, amely meghatározza, hogy a hangjának mit kell tennie.
Ideális hangzás
A popéneklésben és a klasszikus éneklésben egyaránt vannak dobozok, amelyekbe az énekesnek be kell illeszkednie.
A popéneklésben számos hangzás van. Különbözőek lehetnek a nagyon természetestől a nagyon fémesig, a tökéletesen simaaktól a rendkívül karcosakig és torzítottakig, a leheletektől a préseltig, az orrig vagy a nem orrig. A beszéd és az ének között minden kifejezés megengedett.
A népszerű énekes hangját csak a műfajok korlátozzák. Egy jazzénekesnek jazznek kell hangoznia, egy rockernek olyan, mint a rocknak. Ferde szögből tekintenek arra a countryénekesre, aki a kékeket énekli, és nem használja a tipikus kék stíluselemeket.
A klasszikus éneklésben nagyon egységes hangideál létezik. A hang kerek, nyitott és terjedelmes. Mondjon néhány szót, miközben ásít. Ez persze túlzás, de képet kap róla.
A hang nagyon tiszta, keménységtől és leheletektől mentesen hangzik. Ez mesterségesnek tűnhet, mert nem ismerheti fel azonnal az énekes mögött álló személyiséget.
Tegyen kivételt Musical és Disney. A klasszikus zenéhez hasonlóan itt is a zeneszerző szerepére és szándékára helyezzük a hangsúlyt. Tehát az énekesnek külsőleg meghatározott hangideált kell követnie, ugyanakkor nem hangzik klasszikus énekesnek. Különösen egyértelműen kiemelkedik a hang metálja és a szöveg nagy érthetősége.
Terhelhetőség
A modern zene népszerűségének döntő tényezője a mikrofon feltalálása.
Az énekeseknek csak egyetlen módja volt a mikrofon előtt meghallgatni: a klasszikus énektanfolyam. A klasszikus énekeseket teljes zenekarban kell meghallgatni. Kiképezték őket, és ezért képezik őket a reagálásra és a teherbírásra.
Legjobb esetben a popénekeseknek elég hangosaknak kell lenniük ahhoz, hogy áramtalanítva hallják őket. Ehelyett a mikrofont használják a hangerő és a teherbírás szempontjából.
Tagolás és kiejtés
A popéneklésben elég, ha úgy hangzik, mintha beszélgetne a barátokkal. A magánhangzók és a mássalhangzók egyenlőek, ami megerősíti a dal üzenetét. Természetesen ezt megváltoztathatja a meghosszabbított magánhangzókkal és a lágy mássalhangzókkal vagy az ütős mássalhangzókkal és az ultrarövid magánhangzókkal.
Egyébként mítosz, hogy a popénekeseket könnyebb megérteni, mint a klasszikus énekeseket. A hangeffektusok, a magánhangzók kiigazítása, az „sing’n wiä spresch’n” és a zajos mássalhangzók nagy része nem éppen járulnak hozzá a szöveg érthetőségéhez.
Az angol szövegeknél fontos, hogy te nincs túlzó "Mary Poppins angol" használt. Csatlakoztassa az olyan szavakat, mint a rágógumi, különösen a mássalhangzótól a magánhangzóig, és gyakorolja a magánhangzók színeit és a kettőshangokat. Angol szöveggel egyetlen német énekesnek sem kell megszólalnia, hogy az anyanyelvűek azonnal felismerjék őt.
A klasszikus éneklésben azonban a magánhangzók meghosszabbodnak, mert szállítják a hangot. A mássalhangzókat a lehető legrövidebb időn belül és a lehető legkésőbb fogalmazzák meg, hogy a hangot a lehető legkevésbé zavarják.
A klasszikus ezt szorgalmazza nyelv helyes beszédmódja. A nyelvjárásokat csak a megfelelően kijelölt opera- és operettszerepekben fogadják el. Ettől az énekes hangja természetesen visszafogott, de nem akadályozza a zenét. A dallam fontosabb, mint a szöveg érthetősége.
Kifejezés
Arra, hogy a popénekesek hogyan fejezik ki magukat hangosan, semmiféle szabályozás nem vonatkozik. A riffek egy mondaton belül bárhol díszíthetik a dallamot.
A klasszikus énekesek kifejezésükben sokkal jobban kötődnek a hangokhoz. Természetesen vannak olyan szabadságjogok, amelyek figyelembe veszik például a szerep megtestesülését. Azonban az a hajlam, hogy erősen tájékozódjon a hangjegyeken, lényegesen nagyobb, mint a népszerű zenében. Ők rendelkeznek az egyetlen igazán ingyenes fejlődési lehetőséggel az úgynevezett kadenciában az ária végén, ahol bemutatják a coloratura és a kreativitás képességét.
A zenei előadóknak is ragaszkodniuk kell a hangokhoz, ezért ugyanolyan mértékben vágják őket, mint a klasszikus énekesek.
A kifejezés több paraméter keveréke. Kettőt szeretnék részletezni, a vibrato-t és a legato-t.
Vibrato
Valószínűleg ez a legegyértelműbb különbség a különböző műfajú énekesek között. A vibrato megértése is alapvetően eltérő.
A Vibrato kötelező a klasszikus éneklésben. Az érett és képzett hang jeleként folyamatosnak és egyenletesnek kell lennie, nem túl kiterjedtnek, és nem is túl gyorsnak, se túl lassúnak. Nem hiába művelik évek óta. Csak a régizenében nincs szükség vagy alig szükséges vibratóra.
Ami magától értetődik a klasszikus zenében, árokharcot okoz a popban. Számos énekes használ vibrátot, és ugyanannyian kerülik is. Mivel A Vibrato lehet, de nem muszáj a népszerű éneklésben. A hiány fiatal, friss, nem befolyásolt hangot jelez.
Minden pop stílus különböző elképzeléseket dolgozott ki a hangzással kapcsolatban. A Vibrato egyáltalán nem működik német popban. A punk, a rock és a metal is inkább a hangnemeket részesíti előnyben.
A francia sanzonban, az olasz-popban, a zenében, a szimfonikus metálban és sok amerikai stílusban (hagyományos pop, country, soul, gospel) a vibrato-t gyakran használják stíluseszközként. Míg a klasszikus énekeseknek vibratóval kell énekelniük, a popénekesek sóként használják: egy kicsit itt, egy kicsit ott, de soha nem következetesen. A kikapcsolás képességét a véleménynyilvánítás maximális szabadságának tekintik.
Legato
A klasszikus zenében a legato nagyon fontos. A hangnak egyik hangszínről a másikra, egyik szótagból a másikba kell áramolnia, anélkül, hogy elválasztanák egymástól. A Staccato-t viszont csak kevéssé használják.
A popban az énekes liberálisabban használhatja a legato-t és a staccato-t. Emlékszel: arról szól, hogy mesélj. Ahogyan a mesemondó nem csörget le mindent, egy popénekes a legato és a staccato segítségével is alakot ad a történetnek és a dallamnak.
A Legato és a Staccato érzelmekkel és kifejezéssel teli. Használatukkal akusztikailag előreléphet vagy lelassíthat egy pontot. A Legato lágy, összekapcsolt, hordozott hangzású; Staccato viszont hegyes, elszigetelt, rohant.
évfolyamok
Ez azért aktuális téma, mert A hangok nem kötelezőek a popéneklésben. A szakemberek esküsznek rá, mert leegyszerűsítik a zenészek közötti kommunikációt.
A laikusok gyakran kategorikusan elutasítják őket. Több mint 20 év aktív zenélés után számomra nem világos, hogy ez a vélemény tudatlanságból, félelemből vagy lustaságból fakad-e. Úgy tűnik, hogy számos híres zenész egyetért velük: soha nem tudtak egyetlen hangot sem megnevezni, sem írni, és "amúgy" sikerült.
További információt erről a témáról a „Az igazi popénekeseknek nincs szükségük kottára! Vagy mégis? ”Olvassa el.
A klasszikus éneklésben és a musicalekben a hangok elkerülhetetlenek. A lehető legszorosabban követik őket, hogy a zeneszerző szándékát a lehető legpontosabban képviseljék.
A képzés hossza
Az utolsó nagy különbség a popénekes és a klasszikus ének között az edzés, az út a nagy áttöréshez.
Az énektanulás popban egyénileg hosszú. A „semmiképp” (Louis Armstrong) a tisztán magánénekes órákon (Beyoncé) a mesterképzésig (Kate Miller-Heidke) minden lehetséges. Ez azt mutatja az örökség egyáltalán nem számít. Az számít, hogy mit szállítasz. Senkit nem érdekel, hogy ezt megteheti-e önállóan vagy 20 tanár segítségével.
Gyakran találkozhat olyan énekesekkel is, akik csak az áttörés elérése után vállalják el a hangos edzést. Úgy találják, hogy nem vehetnek részt a túrán, ismételt problémáik vannak a hangjukkal, hogy a hang nem képes ellenállni a mentális, érzelmi és fizikai stressznek. Ilyen például James Hetfield (Metallica), Sam Smith, Hayley Williams (Paramore), Matt Tuck (Bullet For My Valentine) és Adele.
Képezni kell a klasszikus éneklésre. A hosszúság itt is egyéni, többségük a (gyermek) kórusban indul, első énekóráit fiatalon veszi, majd elvégzi az alap- és mesterképzéseket.
Az a közös bennük, hogy az örökség rendkívül fontos. Az örökség az öröklés: kik voltak az énektanáraid? Milyen módszerrel tanítottak? Melyik intézetben tanult? Kivel vettél mesterkurzusokat? Kivel és kivel énekeltél már? Melyik híres helyen léptél már fel? Az edzés során kialakuló kapcsolatok meghatározzák az új ismerősök jóindulatát.
Ezen kívül minden énekesnek ajánlom, bármilyen műfajból is: tanuljon tovább. Vegyen részt workshopokon és mesterkurzusokon. Cseréljen ötleteket kollégáival. Kísérletezzen és legyen nyitott az új dolgokra. Aki azt hiszi, hogy elsajátította hangszerét, azt legkésőbb 5 évvel később megelőzi a verseny.
Az igazán nagyok is csinálják. Renee Fleming (opera) és Kellie O’Hara (Broadway Musical) színpadot váltott. Michael Bublé (jazz) és Josh Groban (klasszikus) dalokat cserél.
Következtetés
Izgalmas látni a pop és a klasszikus éneklés közötti különbségeket fekete-fehérben. Az éneklésnek nagyon különböző módjai vannak.
Volt olyan pont, ami meglepett? Vagy ahol teljesen más a véleményed? Írj egy megjegyzést.
Érdekesnek vagy hasznosnak találta ezt a cikket? Akkor ossza meg!
Ez téged is érdekelhet
Nagyon jó áttekintés és korrekt!
Köszönöm, Thomas.
Köszönöm ezt a nagyszerű áttekintést. Kíváncsi vagyok, melyik énektechnika a legjobb az iskolában. Az a benyomásom van, hogy az iskolai kórusban a vokális gyakorlatokat gyakran klasszikus énektől tanítják, de a popénekes technika számomra sokkal intuitívabb és természetesebbnek tűnik.
Röviden, melyik módszer alkalmas az iskolára? Véleményem szerint a kórus vokaltechnika és a pop stílus keveréke. Kórus vokál technika, mert elég gyengéd, hogy a gyerekek nagy részét a hangváltozás különböző szakaszaiban vegye fel, és hagyja őket énekelni, anélkül, hogy jelentős kárt okoznának nekik. És mivel a legtöbb tantárgy tanár ismeri. Pop stílus, mert vonzó a tanárok és a gyerekek számára egyaránt.
P.S. Valójában még mindig jó Németországban. Legalább zeneórákat tartunk az iskolában. Néhány énekesnőm Spanyolországból és Brazíliából elmondta, hogy nincsenek iskolai zenei órák. Ha zeneileg aktív akar lenni, akkor ezt privát módon kell megtennie.
Köszönöm Jessicának a gyors választ! Szeretném erről a kérdésről megírni a diplomamunkámat (zenetanár), és felkeresni néhány iskolát, hogy megnézzem, hogyan kezelik ott a vokaltechnikát. Iskolai napjaim alatt és néhány szakmai gyakorlaton mindig az volt az érzésem, hogy a fiatalok valójában nem is tudják, hogy mit csinálnak, az ének számukra kimerítő volt és/vagy hogy rekedten énekeltek. Akkor már énekórákat vettem, és néha nagyon nehéz volt látnom, hogy egyesek miként morzsolják meg a hangjukat minden alkalommal. De ugyanakkor a bemelegítést gyakran elhagyják/vagy a sportórákon. nincs rá idő, és a sérüléseket elfogadják. Nehéz téma szerintem ...
Milyen izgalmas téma, Ole! És milyen szégyen a gyerekek, amikor rekedten jönnek ki a próbáról. Véleményem szerint ma ennek nem kell így lennie. Mindazonáltal megköveteli, hogy a tanár érzékeny legyen a bemelegítés és az énektechnika előnyeire, valamint ötleteket kell kidolgoznia, hogy ezeket izgalmas módon megvalósítsa a gyerekek számára. Húzom az ujjaimat, hogy jóváhagyják a témát!
LG Jessica