Festészet - Thomas Michel kortárs művészet
Van-e a festészetnek még jövője és jelentése az elektronikus média korában? A festészet az emberi lélek tükre, kivitelezése pedig az önismeret egyik útja, amelyet a formázási akarat vezérel. Ahhoz, hogy a médiatársadalom új kihívásaira megfelelő válaszokat tudjunk adni, számba kell venni a modern művészetet és a festészetet.
Két dolog alakítja a 21. századot: az új kommunikációs formák képe és evolúciója. Elképzelhető, hogy kölcsönös behatolásuk során mindkét kifejezés szinonimává válik a nyelvhasználatban, akárcsak a "kép" és a "varázslat" szavak. Ahhoz, hogy megbirkózzunk a digitális képek áradatával, vissza kell lapoznunk az emberiség képkatalógusát a kezdetekig. A folyamatban lévő modernista hívők úgy gondolták, hogy továbbra is lineárisan írhatják ezt a katalógust, de a digitális korban ki kell alakítani a művészet evolúciós megértését. A történelem mindig visszavezeti az embereket a déjà-vu-hoz, felismeri ugyanannak örök visszatérését és kortárs formát ad neki a kortárs festészet kihívása.
A Nyugat történetében a természeti törvény szabályszerűségével korszakok váltakoztak, amelyek érzelmekkel és fordítva állták szembe az ész hangsúlyozását. A művészi kifejezési formák köre változatlan maradt. A művészet különböző műfajai az emberi érzékszervek működésének megfelelően alakultak ki. A legeredetibb a kép, mint a legfontosabb érzékszerv, a szem közege. Az evolúció azt sugallja, hogy mindenfajta intelligencia és művészi kifejezés kifejlesztésére képes faj a képpel kezdődne.
Thomas Michel, Az új nomádok, olaj, vászon, 1994, 125 × 180 cm
A túléléshez szükséges érzékek hierarchiájában a második legfontosabb műfaj a zene, mint akusztikai közeg. A harmadik létfontosságú műfaj a tánc, amely a mozgásból fejlődött ki. A képnek, a zenének és a táncnak kommunikatív funkciója volt, amely végül rituáléhoz vezetett. A szó és a nyelv abból a rítusból fejlődött ki, amely létrehozta a társadalmi csoport hierarchiáját. Amikor a kifejezések túl bonyolultak lettek a vizuális ábrázoláshoz, karakterekké alakították át őket, és a karaktereket használták íráshoz. A művészi kifejezés ezen formái képezik minden kultúra alapját. Az egyes műfajok hierarchiája és egymás közötti sajátos súlyozása formálta a Nyugat és minden más kultúra szellemét. Az első görögországi európai magas kultúrában a műfajok már korán meghatározták magukat fiziológiai feladataik tükrében: festészet, szobrászat, zene, tánc, színház, irodalom, filozófia, építészet.
A kereszténység későbbi átalakítása a nyugati kultúrának ma is érvényes megjelenését adta. A vallás formálja a kultúra és a kép közötti pszichológiai viszonyt; a történelemben két olyan bipoláris vallási modell létezik, amely a hatalommal való visszaéléstől, például az iszlámtól való félelem miatt elutasítja a képet, vagy tudatosan használja, mint a kereszténység. Egy olyan kultúrában, amely a vallás miatt elutasítja a képet, az irodalom és a költészet veszi át a kép funkcióját. Ebben az esetben az üzenetet a szóval továbbítják a címzettnek, ugyanakkor kizárják a kép visszaélését bálványként. A képbarát kultúrák különböző képhordozókat használnak üzeneteik továbbítására. A képhordozó a közeget reprezentálja, és történeti és technológiai változásoknak van kitéve: a barlangban található szikla, a székesegyház fala, a fatábla, a szőtt vászon, a film vetített fénysugara, a kijelző, minden a legtágabb értelemben fest. Technológiai szintjétől függetlenül minden médium visszavezethető eredeti funkciójára, nevezetesen arra, hogy képinformációt nyújtson a szem számára.
A generikus kifejezés feloszlatása a modern korban nem befolyásolhatja a festészet jelentését.
A modern kor művészei megpróbálták feltörni a művészi műfajok kialakult hierarchiáját, amely az évszázadok során nőtt. Az általános kifejezés mint olyan megszűnt, miközben a stiláris pluralizmus is bevezetésre került. A műfajok szétválasztását úgy kellett leküzdeni, hogy határterületük legyen a központi téma. A műfaji határok kívánt áteresztőképessége a felvilágosult társadalom politikai impulzusának is megfelelt. A második világháború után a növekvő művészeti piac hatására a képzőművészet lett a kereskedelmileg legjövedelmezőbb műfaj. Ezért nem meglepő, hogy a képzőművészet a teljes hierarchiát átvette a műfajok határainak tágítása iránti igénye alatt. A dadaista trükk, amellyel egy tárgy deklarációs cselekedettel műalkotássá alakult át, korlátlan hozzáférést biztosított a képzőművészet számára más műfajok jellemzőihez. A szobrászat, az irodalom, a színház és a zene elnyelődött a kibővített művészeti koncepció bűvöletében.
Ennek eredményeként számos hibrid műfaj jelent meg, amelyek közös jellemzője az volt, hogy nyitott műfaji határokon keresztül áramoltak egymásba, ezáltal a művész a szertartások mesterévé vált a határok nyitásának ritualizálásával. A különböző jellemzőkkel rendelkező műfajok ugyanarra az állításra redukálódtak: minden művészet. A kibővített művészeti koncepció alapvető demokratikus állításával ellentétben a műalkotás most még inkább az alkotójának személyiségéhez kötődött, aki a rituálé révén fetisizálta. A műalkotás tartalmát egyre kevésbé belső szükségszerűségből merítette, de a művész elősegítette piaci értékének biztosítását. A modern idők vége óta a számítógép először elérhető médiumként, amely minden műfaj számára alkalmas információhordozóra, de tévedés azt hinni, hogy az ősi műfajok határait ilyen módon lehet legyőzni. A korlátozó tényező maga az ember, aki a számítógépes korban még mindig ugyanazokkal az érzékszervekkel rendelkezik, mint az ókorban, feltéve, hogy a 20. században még nem tették tönkre.
A művészet és a vallás mindig is szorosan kapcsolódott egymáshoz, a művészet sokáig szolgálta a vallást, amíg a szekularizáció révén emancipálni tudta magát. A festészet függetlenségének csúcsát az impresszionizmus ideális világában élte meg. Marcel Duchamp felhagyott a festészettel, és befejezte a művészet és a vallás békés együttélését azzal, hogy az idő kerekét a fejére fordította és kerékpárnak nyilvánította. Ettől a pillanattól kezdve a művészet és a vallás ismét összekapcsolódott, bár ellentétes előjellel, mivel a művész maga most a vallás megalapítójaként működött. A kibővített művészeti koncepció bevezetésével mindenkit művésznek nyilvánítottak, de a mondás helytálló lenne: mindenki művész, de csak néhány próféta.
Thomas Michel, Zweistromland, olaj, vászon, 1993, 145 × 180 cm
A festészet közvetlenül a tudatalattiba kerül.
A XXI. Században a kultúra pusztán árucikké fajult a globális piacokon, már nincs semmilyen művészeti kritika, és ma aligha lehet megkülönböztetni a jót a rossz festéstől. A művészetet a művészeti piac minősíti kereskedelmi célúnak. De bár a festészetet többször is halottnak nyilvánították, vonzereje töretlen, főleg azért, mert kétdimenzióssága miatt évszázadok óta a legpraktikusabb. Varázslat árad a festészetből, ha egy kép meghaladja puszta tervét, nevezetesen azt, ahogyan a festéket felvitték a képhordozóra, és azt, hogy a festő hogyan hagyta fizikai nyomait. Ezután a képfelület titkot rejt, létrejöttének rejtvényét. Egy egyszerűen ott lévő textúra, szín, máz, amely saját alkotójától elszakadva valódi saját élettel rendelkezik, ugyanabból a metafizikai dimenzióból származik, mint az emberiség első képei, amelyek még mindig a mágia varázslatai voltak.
Ez az érzés csak akkor keletkezik, amikor a jel közvetlenül az észlelő tudatalattijába jut, anélkül, hogy átmenné az arányt. A klasszikus és az ősi műfajon belül ez csak a zene mellett történő festészetben lehetséges, az összes többi műfajt kognitív-intellektuális szinten érzékelik. Az általuk közvetített üzeneteket először racionálisan kell feldolgozni, és egyszerűbb képekké kell lefordítani, hogy azután az észlelés mögöttes szintjén elérjék a tudatközpontot, amelyet festészet és zene közvetlenül kezel.
A kollázs az aktuális ügyek állapotának mutatója.
A modern kor egyik legnagyobb eredménye a kollázs. A kollázsban a különböző valóságok egymástól idegen töredékei azonos szinten állnak össze, de megőrzik töredékes jellegüket. Az egyenlőség, amellyel a különféle elemeket kezelik, kiegyenlített felületet vagy átfogó keretet igényel. A kollázs előkerült a dadaizmusból, amelynek romboló képessége romokká robbantotta a művészetet, hogy aztán hagyja, hogy önmagáért beszéljen, mint szimbólum egy megkérdőjelezhető rend átalakításáról az eredeti káoszba.
Csak a szürrealizmus irodalmában és festészetében próbáltak új világot létrehozni a dadaista törmeléktéren. A szürrealizmus motivációja egyértelműen konstruktív volt, mivel a szürrealista kollázsban a valóság töredékei nem maradnak elszigeteltek, hanem kölcsönös párbeszéd során kiegészítik egymást a valóság új, magasabb szintjével, ahol a teljes összeg meghaladja az egyes részek összegét. A megsemmisítés és az építkezés evolúciós szempontból ugyanolyan logikailag egymást követő jelenségek, mint a szürrealizmus művészettörténeti fejlődése a dadaizmusból. A destruktív és konstruktív fázisok kölcsönös előfordulása áthatja a modernitás teljes korszakát, ahol a kollázs biztos mutatója annak a fázisnak, amelyben az aktuális ügyek.
A szinesztetikus érzékelés elvesztése a stílus pluralizmusához vezetett.
A műfajok és a holisztikus esztétika széttöredezése során, ahogy ez még mindig a szecesszióban és a szimbolikában volt, a független stílusok pluralizmusa a modern időkben megalapozta magát. Három nagy gyűjtőmozgás, amelyek célja és tartalma meghaladja az azonos nevű művészettörténeti kifejezéseket, háromszöget képeztek, amelynek feszültségterületén a modern művésznek meg kellett határoznia nézőpontját: a holisztikus esztétika feloldódott expresszionista, konstruktivista és szürrealista világnézetbe. E világnézet mindegyikének megvannak a maga céljai, amelyek ellentétesek a többiekkel.
Az expresszionizmus túlhangsúlyozza a gesztust és a szubjektivitást. Ennek során továbbra is nagyrészt nem kötelező erejű, eltekint a tartalomtól, és szembeszáll a formális korlátozásokkal. Különböző mozgalmak alkalmazták ezt az elvet: az olyan expresszionista csoportok, mint Brücke, Blauer Reiter és a Fauves, a háború utáni modern művészeti informel és az absztrakt expresszionizmus, végül az 1980-as években a Neue Wilden.
Thomas Michel, Robbanás egy tájban, olaj, vászon, 2004, 130 × 170 cm
Ezzel szemben van konstruktivizmus, amely hangsúlyozza az arányt és a számítást. Elutasítja a személyes kézírást és a pszichológiai tartalmat. Picasso átmenete a holisztikus szimbolista rózsaszín periódusról a kubizmusra példázza a modernitás három különböző világnézetbe való felbomlását. A kubizmus volt az első konstruktivista mozgalom; Picasso és Braque közösen létrehozott korai képei olyannyira megszabadultak személyes kézírásuk alól, hogy kezdeményezőjüket csak nehezen lehet azonosítani, a motívumok banális hétköznapi tárgyakból származnak. A kubizmus végül a futurizmusban és az orosz suprematizmusban találta meg folytatását, Hollandiában megalakult a De Stjil mozgalom, míg Németországban a Bauhaus. A háború utáni modernizmusban a Concept Art és a Minimal Art folytatta a konstruktivista világkép alkalmazását. A pop art szintén a konstruktivizmus része, mivel elnyomja a személyes kézírást vagy a pszichológiai tartalmat is.
A modern művészet harmadik nagy világképét a szürrealizmus képviseli. A szürrealizmus túl hangsúlyozza a pszichológiai tartalmat, miközben elutasítja a formális korlátozásokat, ebben az esetben általában szubjektív és önkényes marad. A szürrealista mozgalom különösen ellentétes volt a számításokkal és az arányokkal, és ezzel ellentétet képezett a konstruktivizmussal. A Fluxus mozgalom és a belőle kialakult neodadaizmus folytatta ezt a háború utáni modernizmusban is. A modern művész a három kegyelem előtt állt, mint Párizs, és közülük egyet kellett választania, hogy meghatározza pozícióját a művészeti piacon.
Varázslat e világ és a továbbiakban.
A művészi alkotás kliens általi szekularizációjával és emancipációjával a kép elhagyja a szent teret. Először hétköznapi környezetben kell érvényesülnie, amelynek nem kapcsolódó tárgyai megzavarják metafizikai hullámmintázatát és kaotikus interferenciát okoznak. A zavar minél alacsonyabb szinten tartása érdekében létrehozzák a szakrális tér helyettesítését, amely a műalkotás intim szféráját adja vissza: már a reneszánsz korában ez volt a palazzo, amelynek építészete és berendezése helyreállítja a tárgyak közötti kapcsolatokat. A 19. században a képet a szalon magánterületén mutatták be, amíg nyilvánosá nem alakult, és a múzeum a művészet bemutatásának helyeként jelent meg. Ugyanakkor a műtárgy csökkenő szakrális jelentőségét az anyagi megbecsülés kompenzálja, ami a műkereskedelem fejlődéséhez vezet. Az iparosítással a képtartalom profanizálása is előrehaladt, amely az impresszionizmusban teljesen megszüntette a kultikus tárgyak és a mindennapi tárgyak közötti különbséget.
A Fehér Kocka a modern idők bizánci szakrája.
Duchamp a kész találmánya először fordítja meg a folyamatot. Az olyan banális árut, mint a kerékpár, fetisizálják a varázslatba helyezéssel, a varázslaton kívül csak kerékpár marad. Ezzel az akarati cselekedettel a műalkotás visszatér a gyökerekhez, ugyanakkor bebizonyítja, hogy nem létezhet a varázslat mágikus vonala, vagyis a keret nélkül. A műalkotássá átalakított tárgy aurájának megőrzése érdekében a tilalmat nyilvánosan védeni kell. A múzeum intézményesítése elengedhetetlenné vált a fetisizált művészeti tárgy keretbe foglalása érdekében, mivel megszabadult tartalmától, és különben láthatatlan maradt volna. Maga a múzeum keretrendszere hamarosan a bemutatott műalkotások tartalmává vált, a 21. században a Fehér Kocka a modern kor bizánci szent terét képviseli.